Ein Gespräch mit Theodor di Ricco - Berlin 2016

Ein Gespräch mit Theodor di Ricco

- von Louis von Reich

Berlin 2016

L. v. Reich:         Die erste Frage, die offensichtliche. Warum gelb?

T. di Ricco:          Ich habe 1990 angefangen, Gelb zu tragen. Ich zeigte ein Performance-Kunststück und verkündete dem Publikum, dass Gelb die Farbe der 1990er Jahre war. Wenn ich es predigen wollte, dann dachte ich, ich soll es machen. Gelb ist seitdem zu mein Logo als Künstler geworden. Ich bin dafür international bekannt.

L. v. Reich:         Sind Sie sicher der einzige zu sein ?.

T. di Ricco          Seit dreißig Jahren beschäftige ich mich mit Performance-Kunst. Ich habe noch nicht jemand getroffen oder darüber gelesen von jeden, der täglich eine Farbe als Performance-Kunst-Aktion tragt. Viele Künstler haben Perioden oder Phasen mit einer Farbe, aber keine meiner Kenntnisse, weder in der Visuelle noch in der Performance-Kunst, haben sie so weit verwendet, wie ich es habe. 

L. v. Reich:         So gelb ist der Bezugspunkt für die meisten von dem, was Sie machen?

T. di Ricco          Genau. Ich möchte hinzufügen, dass Performance-Kunst ist die Aktion der Schaffung von Kunst in Echtzeit. Basierend auf dem Konzept dass Performance-Kunst keinen Anfang oder kein Ende hat, ich bin bekannt durch meinem Dauer-Performance indem er täglich die Farbe Gelb trägt. Auf meinem gelben Fahrrad, in einem U-Bahn Wagon oder bei einem Galeriebesuch, setzt ich mich als gelber Farbstrich mit dem Alltagsbild auseinander.

L. v. Reich:         Wie hat Gelb Ihnen geholfen? Wo hat es Innen weiter gebracht?

T. di Ricco:        Gelb ist meine Muse. Es wird zur Ikone, um meine Botschaft weiterzugeben, die ich zu  einer quasi-politischen Bewegung mit dem Titel A.C.N.E ...

L. v.  Reich:       ... die ich gelesen habe, steht für Anti-Konstruktivistisch, Neo-Errorism.

T. di Ricco:        Richtig.

L. v. Reich:        Und was ist die Botschaft hinter Anti-Konstruktivistisch, Neo-Errorism , also A.C.N.E.?

T. di Ricco:         Abbau der festen Bräuche, strenge Traditionen und Moral einer Gesellschaft durch Unwissenheit.

L. v. Reich:        Können Sie mir ein Beispiel nennen?

T. di Ricco:         Die Verkehrsampel ist good Beispiel. Überqueren einer Ampel, wenn das Signal rot ist, kann einige der Eingeborenen, abhängig von wo man ist, aufregen; Ein weiteres banales Beispiel, Rauchen wo es nicht gestattet ist. 

                          Wenn eine Gesellschaft ein bestimmtes Niveau des Wohlstands erreicht hat, wenden sie sich an. Es wandelt sich zum einem Kindermädchen-Haushälterin-Zustand. Auf der Suche nach immer größeren und besseren Möglichkeiten sich zu verbessern. Sie ignorieren die offensichtlich. Dass soziale und wirtschaftliche Ungleichheit, Rassismus, Sexismus, Faschismus noch existiert.

L. v. Reich:        Bevor es zu politisch wird, wohin passt Gelb?

T. di Ricco:        Gelb ruft viele Gefühle hervor, viele davon positiv. Für mich ist gelb die Farbe des Glücks. Das Licht, das man von der Sonne sieht, ist eine gelben Spektrum. Die Zapfen und Stäbchen Rezeptoren im menschlichen Auge interpretieren drei Farben; Rot, blau und grün. Gelb wird daher vom Gehirn durch den grünen Kegelrezeptor interpretiert. Da Gelb allgegenwärtig ist, wird es nicht gesehen, es ist. Ähnlich wie das Streben nach Glück. Es ist ein gemeinsamer Zeil in allen Menschen taten.

L. v. Reich:         Es gibt also keinen anderen Grund, warum Sie gelb ausgewählt haben?

T. di Ricco:         Nein. Obwohl alle Entscheidungen politisch sind, habe ich kein Gelb gewählt, weil es für mich ein religiöses oder philosophisches Konzept bedeutet. Ich wählte es für seine ästhetischen Bedeutungen und durch Ankleiden in gelb und Bewegungen durch das Alltagsleben, setze ich sich als gelber Farbstrich mit dem Alltagsbild auseinander. 

                          Bis zum heutigen Tag, meine Forschung in gelb ist, ich lasse andere mir sagen, was die Farbe für sie bedeutet. Wenn es darauf ankommt, der man kann außerhalb Kalifornien leben, aber die Kalifornie bleibt trotzdem in der Mann darin. Berlin ist grau und durch die Auswahl gelb, es hilft mir besser zu fühlen und konsequent die Leute um mich herum.

L. v. Reich:         Was erwecken die anderen Sinne Bein Ihnen in Bezug auf Gelb ?

T. di Ricco:          Wenn gelb ein Ton wäre, wäre es das Brummen des elektrischen Transformators oder das Summen eines Bienenstocks. Es würde entweder sauer oder extrem süß schmecken und es würde frisch riechen. Bei Berühren, es ist warm und trocken.

L. v. Reich:          Gibt es noch andere künstlerische Bezugspunkte in Ihrer Arbeit?

T. di Ricco:          Ja. Ich bin fasziniert in der Übertragung von Begriffen, die in einfachen geometrischen Formen ausgedrückt werden können; Das Kreuz, der sechsseitige Stern, der Halbmond. Diese drei Formen sind zu Meta-Ikonen geworden, die mächtige und komplexe Botschaften übermitteln. Meine Arbeit ist, diese Ikonen und andere zu dekonstruieren, ihre Bedeutung zu zerstreuen und neue zu bilden. Daher die A und K. in A.K.N.E ...; Anti-Konstruktivistisch. Der Neo-Errorismus oder N. und E. ist ein Ergebnis der Globalisierung. Wir können nicht erwarten, jeden Brauch, in jeder Ecke der Welt zu erkennen. Daher wird es notwendig, eine globale soziale Etikette zu entwickeln.

                          Was wir sehen ist der Gegenteil, je mehr Nationen die sich globalisieren, desto stärker werden Gesellschaften, die ihre traditionellen Werte bis hin zu Fundamentalismus oder Extremismus bewahren. 

L. v. Reich:         Sie schaffen neue Ikonen für eine globale Welt.?

T. di Ricco           Vor hundert Jahren schuf der Konstruktivist Ikonen und ein Vokabular, um die neu industrialisierte Welt zu interpretieren. Die anti-konstruktivistischen Performance.Künstler verwenden dass in ihre Aktionen an, um so die festen Bräuche, die strengen Traditionen und die Moralische Leitlinie einer Gesellschaft zu verschmelzen und zu verbreiten.

L. v. Reich          Sie schaffen in ihre visuelle Arbeit und Plastik eine Ikone. . Also Abbauen tun Sie nicht.  Sie bauen auch.

T. di Ricco         Ja, aus dem, was fehlt.

L. v. Reich:         Und was ist das ? 

T. di Ricco:         Ein internationales Symbol für Glück. Ich habe für ein Dreieck und ein Quadrat gewählt. Die beide Formen gemalt neben einander wurde als ein Baum, ein Pfeil oder als eine zweidimensionale Pyramide verstanden.

                           In unserer gegenwärtigen Symbolik gibt es universelle Symbole für Liebe und Frieden. Aber nichts für das Glück, außer vielleicht das Smiley Face, das ich nicht für angemessen halte. Glück ist nicht das Lächeln, es geht darum, ein Gefühl der Sicherheit zu fühlen. Ich dachte, es wäre Zeit für einen Künstler, die passende Ikone zu finden, also tat ich es. Der Baum bietet Schutz, die Pfeilspitze zum Ein- oder Ausweg und die Pyramide stehen herum für über 5000 Jahren.

                          Diese drei geometrischen Grundformen kombiniert mit den drei Grundfarben und den drei positiven emotionalen Zuständen des Friedens, der Liebe und des Glücks, inspiriert mich unendlich. 

L. v. Reich:         Warum haben Sie sich für einen Künstlerleben entschieden?

T. di Ricco:          Ich habe immer Kunst gemacht, seit ich mich erinnern konnte. Ich habe mich bewundert, wenn ältere Künstler das sagen würden. Jetzt weiß ich, was sie bedeutet haben. Wir sind alle Künstler. Der Unterschied ist, dass ich mich dafür entschieden habe, als Künstler zu leben und einen Beruf daraus zu machen.

L. v. Reich:         Warum haben Sie diesen Beruf gewählt?

T. di Ricco:          Weil es für mich eine Herausforderung darstellte. Ich stellte früh heraus, dass es Alternativen zum Status quo gab. Ich suchte und gravitierte ich auf Gleichgesinnte. Das waren die Weisen, Schamanen, Freaks und Künstler. Es war schön zu wissen, dass ich nicht der Einzige war, der Zweifel an der freien Welt hatte. Einmal brach ich weg, es gab kein Zurück. Hast du das noch nicht gehört?

L. v. Reich:         Sie zeichnen nicht.

T. di Ricco:          Ich habe von der Perspektive-Zeichnung Abstand genommen. Ich wollte so nah wie möglich an der Abstraktion bleiben. Meine visuelle Arbeit nimmt die Form von Skulpturen an, die an die Wand gehängt werden können. Eines meiner besten Werke ist ein Bündel von Schnürsenkeln, das zum Sunburst geworden ist. Gehalten mit Kaninchenleim und mit  mit gelben Pigment bestreut. Öl und Terpentin werden auf die gelbe Pigment gesprüht, die wiederum als Klebstoff wirkt. Beide Elemente der Malerei und Skulptur sind beantwortet und ich habe ein schönes, Soft-Art Kunstwerk geschaffen, das wie ein Sonnendurchbruch aussieht. Außerdem ist die Malerei tot.

                                  

L.v. Reich           Das glaubst du noch?

T. di Ricco:         Sobald dieser Fernsehschirm an der Wand montiert war, wurde der letzte Nagel für herkömmliche Kunst in die Wand gehämmert. Ich bin fest davon überzeugt, dass Performance-Kunst die Kunstform des 21. Jahrhunderts ist. Wir sind frei anzuschauen, was wir wollen, weil wir ein ‚Gemälde‘ haben, das jetzt bewegt und eine Fernbedienung, die es kontrollieren kann. Es ist das Zeil der Performance-Künstler diesen Raum zu füllen.

L.v. Reich           In Ihrer visuellen Arbeit sehe ich Elemente des Minimalismus, Fluxus und Pop Art,

T. di Ricco:          Das habe ich in der Schule gelernt, und das war damals das gemeinsame Bewusstsein. Ja, ich mag die Reinheit einer zweidimensionalen Form, ich finde es gut, Objekte zu finden und ihnen eine neue Bedeutung zu geben, und ich bin fasziniert, wie Werbung verwendet wird, um einen potentiellen Käufer zu manipulieren. Außerdem möchte ich wirklich meine Kunst zu den Menschen zu bringen und nicht zu einer Elite-Gruppe von yahoos.

                          Wir haben auch von vergangenen Kunstbewegungen gelernt, und ich war fasziniert vom Konstruktivismus, verstand, was DaDaismus und Futurismus sagen wollten. Als einer, ‚Ism’ zu einem anderen führen, mischte ich sie mit dem Zeitgeist, und daraus wurde ich ein A.C.N.E. Künstler.

L. v. Reich:         Wie schafft ein A.C.N.E. Künstler seiner Arbeit?

T. di Ricco:         Durch die Zusammenstellung der gefundenen Objekte, ‚Objets-Trouvés’ und ihnen einer neuen Bedeutung geben. Die Schnürsenkel wurden zum Beispiel zu einen Sonnendurchbruch verwandelt. Ich fand die Buchstaben E, U und E, die in der DDR als Laden.Schriftzeichen verwendet wurden und schuf ein Gemälde das Europa widmet.

Lv Reich             Wie verstehen Sie den Kunstmarkt?

T. di Ricco:         Beginnen wir mit der Kunstakademie. Hier treffen der künftige Künstler, Galerist, Sammler und Kunsthistoriker auf den Kunstprofessor. Es ist ein geschlossenes selbst-verewiges System. Es ist gut bekannt, dass das Setzen dieser fünf Elemente in einem Projekt je nach Qualität der Partner eine Art-Hype erzeugen wird.

L. v. Reich:          Es gibt sicher mehr als das in der Kunstwelt.

T. di Ricco:          Die Kunstwelt besteht für die meisten aus Werke die in einer Galerie oder im Museum hingestellt sind, vom Besitzer, einem Demi-Gott mit einer Lizenz zum Verkauf oder zur Auswahlen ist. Das Werk wird dann auf den Markt getreten, dessen Aufgabe es ist, seine Notwendigkeit durch Preis und Nachfrage fälschlicherweise zu erhöhen.

                           Ernst. Wer kauft wirklich Kunst? Wer steht morgens auf, sieht dass das Kunstwerk gebrochen ist und geht für einen Ersatz einkaufen . Wo würdet ihr anfangen? Die Auswahl ist Infinitiv. Es gibt eine Menge Sensibilisierung, bevor Herr und Frau Müller sich mit ihrem Kunstkauf wohl fühlen würden.

L. v. Reich:         Sie klingen wütend und frustriert. Warum dann Kunst?

Theodor:             Ich bin ein Outsider oder Underground Artist nicht weil ich sein möchte, sondern weil ich ausgeschlossen bin. Ich bin von dieser Herausforderung angetrieben und ich werde mich nie an die Ungerechtigkeit der Welt gewöhnen. Ich fühle mich gezwungen, etwas auf meine eigene Weise und in meiner eigenen Kultur zu machen. Ich will Spuren meiner Existenz hinterlassen, um mein Leben mit Würde zu verleihen.

L. v. Reich:         Sie verwenden Gogo Sunshine als Ihren Alias in einigen Ihrer Arbeit. Woher kommt das?

T. di Ricco:          Ich wurde zuerst von einer Lesbe als Homo Sunshine getauft. Ich habe die Name später angepasst und wurde Gogo Sunshine, weil ich jedem sagen, dass ich ein professioneller Go-Go-Tänzer bin, wenn auch die ältesten. 

                          Wie ich es sehe, beleben Go-Go-Tänzer die Zuschauer. Ihr Arbeit ist ein Party zu animieren und selber Spaß zu haben. So sehe ich einen Teil des Werkes eines Künstlers. 

                          Wir gehen zu Ausstellungseröffnungen, organisieren Kunstveranstaltungen und kleiden wir uns Bunt. Wir tanzen herum, machen Smalltalk, vernetzen und verbinden die Umgebung. Nicht so viel anders als die Arbeit eines Go-Go-Tänzer.

L. v. Reich:         Wie qualifizieren Sie sich als Popkünstler?

T. di Ricco          Der Popkünstler ist in einigen Graden ein Opportunist. Ich benutze Elemente von Pop, um mich als Künstler zu verkaufen. In der Welt des Handels muss man eine Bekanntheitsgrad erreichen. Ein Weg ist durch Werbung. Ich selbst habe ein paar Gimmicks. Ich weiß, Menschen sind anal. Sie lieben es zu sammeln. Menschen haben diese Notwendigkeit, Grade der Intimität zwischen sich und der Welt zu identifizieren. Verarbeiten oder teilen ein gemeinsames Element macht sie näher fühlen.

                           Eine Möglichkeit sind die Multiples, die ich mache. Ich schaffe kleine Arbeiten auf Papier und Collagen, Postkarte-Größe, seit drei Jahrzehnten. Ich mache in der Regel eine Serie von etwa fünfzig auf einmal. Ich spare mein persönliches Bestes und verkaufe oder teile den Rest.  Alle Sammler sind mit einer Blog-site geehrt. 

                          Darüber hinaus trage ich gelb, konsequent für dreißig Jahre. Für Leute, die mich kennen oder über mich wissen, wird meine Gelb-Sein ihr gemeinsames Element.

L. v.  Reich:        Wir reagieren die Leute wenn sie Ihnen sehen ?

T. di Ricco          Einige nehmen Notiz und noch weniger fragen, warum. Diejenigen, die mir mehrmals gesehen haben, haben mir gesagt, dass wenn sie etwas Gelbes sehen, sie denken an mich. Also, wenn es darauf ankommt, das IST meine Kunst.

                           Außerdem muss ich gestehen, dass es eine ganze Gruppe von positiven Vorteilen beim Tragen von eine monotone Farbe gibt, die mir nicht einfallen waren als ich zum Gelb gewechselte habe.

L. v. Reich:         Zum Beispiel?

T. di Ricco:          Ich habe aufgehört, Kleidung zu kaufen. Die Leute geben mir oft das eine freaky gelbe Ding, das sie gekauft und selten getragen haben. Viele Hemden und gelegentlich einige Hosen oder Schuhe, habe ich oft bekommen.

                          Es macht auch mein Leben leichter. Ich habe keine Sorgen bei der Wäsche, alles bleibt gelb. Ich kann ex-beliebig was anziehen ohne zu denken ob es zusammen passt. Wenn ich eine Farbe auswählen muss, nehme ich die gelbe Zahnbürste. Außerdem bin ich nie in einer Menge verloren weil ich leicht zu erkennen bin.

L. v. Reich          Sie haben vorher erwähnt, ihr Multiples. Wie hat das angefangen?

T. di Ricco          Als ich anfing in Europa zu leben. Ich wollte etwas kreatives als einen Brief zu schreiben und ihn abzuschicken. Das waren die Jahren vor der Kopiermaschine und dem Internet. Ich fing an, meine eigenen Postkarten oder Arbeiten auf Papier zu schaffen. Eine Mischung von Collage und abstrakte Malerei. Aus dem habe ich ein Arbeitsprozess entwickelt, in dem ich eine Multiple von einem Design kreiere.

L. V.Reich:         Wie sehen Sie, was Sie als Performance-Künstler geschaffen haben?

T. di Ricco          Ich sehe meine Performance-Kunst als Spuren im Zeitgeist. Wenn ich meine Arbeit nachschaue, verstehe ich warum es notwendig war, diesen Arbeiten an diesem Moment zu schaffen. Ich verstehe die roten Faden, der durch jedes meiner Performance-Kunststücke weben, das ich ausgestellt habe.

L. v. Reich:         Was ist mit der Botschaft? Was wollen Sie vermitteln?

T. di Ricco:          Wie bei jeder Performance, hat es eine politische, spirituelle und ästhetische Aussage. Für mich ist es klar dass, wenn ich eine Performance mache und nennen es Kunst, es muss Ehrlich und Authentisch sein; die Botschaft muss relevant und das Konzept klar. Die Notwendigkeit, Informationen an die Menschen zu übermitteln, wie zu überleben, mit anderen Worten, Kunst zu schaffen, ist einer Zweck der Performance-Künstler.

L. v. Reich:         Jeder Künstler fragt sich irgendwann, warum  mache ich Kunst . Wie ist Ihre Antwort?

T. di Ricco:         Das habe ich lange genug getan um zu wissen. Es ist zwar die Arbeit, die ich geschaffen habe, die Erfahrungen und Kontakte, die ich während meiner Karriere gehabt habe, die irgendwelche Zweifel geklärt haben, warum ich diesen Beruf auswählt habe. Nicht zu altruistisch, sondern es kommt  darauf an ein gutes Leben zu schaffen. Und ein Leben gut gelebt, ist für mich die beste Rache. 

L. v Reich:          Sie schreiben viel?

T. di Ricco:         Schreiben ist ein unglaubliches Medium. Ich kann es mit der Malerei in der fünften Dimension vergleichen; Höhe, Länge, Tiefe, Zeit und virtuell. Wenn ich schreibe, füge ich Schicht auf Schicht von Farbe und Textur. Schreiben ist abstrakt. Der Buchstaben, das Wort, der Satz, der Absatz, das Kapitel und schließlich das Buch.

L. v. Reich:         Ich habe gelesen, Sie sehen Ihr Buch "Warum ich lebe hier" als Ihre Doktorarbeit.

T. di Ricco:          Ich habe sogar so weit gegangen, die Doktor-Initialen bei meinem Künstler-Name zufügen. Es steht nur zu Grunde, dass, wenn man Autodidact ist, irgendwann in seinem eigenen Leben, wenn ein Ziel erreicht wird, ein Titel vergeben werden sollte. Es ist so ein Affront gegen einen Codex der westlichen Gesellschaft. Wie kann ich es wagen, eine akademische Tradition zu respektieren. Meine Argumentation: Ich bin ein A.C.N.E. Künstler.

L v. Reich:         Erst als Ihr Buch herauskam und darauf aufmerksam machte, dass Sie auch mit Ihrer visuellen Arbeit bekannt geworden sind.

T di Ricco:         Das Wort ist noch stärker als das Bild und Sie sind der Beweis. Journalisten wollen meine Meinung über aktuelle Ereignisse wissen, als ob ich etwas über sie wüsste. Ich weiß, in der Tat.

                          Die Energie hat sich versammelt weil ich an vielen Projekten beteiligt bin. Ich liebe Multi-Tasking. Ich bin ein Produkt von Multimedia. Geben Sie mir ein Projekt und ein Budget, und ich kann meine Kunst in jedem Medium transponieren. Kunsthistoriker nennen uns Multimedia-Kunstler, ich bevorzuge den Begriff Serielle-Künstler.

L. v. Reich:        Mit Ihren kontroversen Meinungen haben Sie sicherlich einige Federn gekräuselt.

T. di Ricco:         Bin ich ein schlechter Mensch? Ich war nicht der erste, der 9/11 ein Kunstwerk nannte. Ich habe den Zitat in meinem Buch geschrieben. Die USA  nennen als eine unzivilisierte Gesellschaft und mit Prosa die Gründe beschreiben ... nun, die Wahrheit tut weh.

L. v. Reich:         Wir haben Gallery SoToDo nicht erwähnt. Woher kommt das?

T. di Ricco:         SoToDo ist mein Dienst für die Gesellschaft. Wenn man etwas machen will, muss mann es selbst tun. Also, ich tun es. Es war meine Antwort auf den Mangel an kreativen zeitgenössischen Reizen in der Stadt, wo ich aufgewachsen war. 

                          Künstler haben sich immer zusammengebunden, um ein alternatives Bewusstsein auszudrücken, sie sind romantisch, sie wissen nicht, wie oder ob ihre Ideen und Aktionen später ihre Mittel rechtfertigen könnten. 

                          Während sie fortschreiten, wird ihr kollektives Bewusstsein später durch ihre eigene Rechtfertigung institutionalisiert. Ein aktuelles Beispiel dafür ist die Performance-Kunst.

                          Das Mittel der Performance-Kunst ist die vergängliche Natur ihres Seins. Performance-Künstler haben diese Mittel genommen und es in eine Ware verwandelt. Ich glaube fest, dass die Zukunft der Performance-Kunst liegt in der Vermarktung dieser Ware und das Internet ist das Platform dafür.

L. v. Reich:      Wie hat sich Ihre Organisation entwickelt?

T. di Ricco:     Galerie SoToDo begann als Organisation zur Förderung zeitgenössischer Kunst. Anstatt Gottes zu spielen, lud ich alle ein. Der Einladungsprozess ist organisch. Von der anfänglichen Künstlergruppe wurden sie wieder eingeladen und konnten einen anderen einladen. Mit der Teilnahme von über 500 Künstlern für 30 Jahre, Galerie SoToDo, ist eines Beispiel für die Organisation und Ausstellung von Performance-Kunst geworden.

L. v. Reich:          Wie?

T. di Ricco:          Ich mache das, indem ich die Künstler Monate vorher einlade. Dies gibt ihnen Zeit, um Finanzierung zu erwerben, weil sie für ihre Reisekosten verantwortlich sind. Die Teilnahme erfolgt auf der Grundlage der "first come, first serve" Basis

                           Ich setze die Eingeladene Künstler/Innen privat mit lokalen Künstlern ein und stelle sicher während einem Kongress, dass wir alle zusammen mindestens einmal täglich zusammen essen, um die Kontakte zu intensivieren. Ich verspreche auch ihnen eine Dokumentation des Kongresses in Form eines Katalogs oder Video zu liefern.

                            Ich erkannte, dass eine Veranstaltung rund um Performance-Kunst ist nicht ein Festival, es ist ein Kongress. Zusammenzukommen und Austauschen ist der wahre Sinn dieses Wortes. Es ist auch der motivierende Faktor, warum viele weiterhin teilnehmen.

L. v. Reich:          Durch Ihre Erfahrung, wie definieren Sie Performance-Kunst?

T. di Ricco:          Performance-Kunst existiert seit der Morgen-dämmerung der Zivilisation. Die Menschen haben gelernt, kreativ und sozial zu sein, um zu überleben. Performance-Kunst kommunizieren Lektionen gelernt und Taten vollgebracht.

                           Performance Art nutzt die Elemente der Zeit und Raum eine Botschaft mit Ehrlichkeit und Authentizität zu kommunizieren. Performance Kunst ist der Akt Kunst im Moment zu schaffen.

L. v. Reich          Wie sehen Sie Performance-Kunst in dem, was Sie tun?

T. di Ricco           Performance-Kunst wird vom Künstler, der ihn ausstellt und vom Betrachter, der ihn erlebt, verstanden. Es hat keinen Anfang oder ein Ende. Es passiert. In meinem Fall passt es zu dieser Definition, weil ich täglich gelbe Kleidung trage und nenne es ein Performance-Kunst Aktion.

L. v. Reich:         Was ist die Evolution der Performance-Kunst?

T. di Ricco:         Jeder darf Kunst machen, nur wenige wagen es. Ich habe ein Essay zu diesem Thema geschrieben. 

                           Kurz gesagt, in jeder Gesellschaft seit dem Beginn der Zivilisation gibt es Prinzen, Narren, Schamanen und Künstler, die sich durch die Annahme eines alternativen Lebensstils auseinander gesetzt haben. Diese Personen agieren als Druckventil innerhalb einer mikro-Machiavellischen politischen Struktur der Kontrolle. Sie drücken Begriffe und Ideen aus, die das Spektrum des Bewusstseins, Aktionen und Taten der Gesellschaft ausgleichen

                           Mit den Künstler/Innen, sie setzen ein Beispiel wie  man überleben kann in dem man Kunst schafft. 

L.v. Reich:          Das ist also der aktuelle Stand der Dinge?

T. di Ricco:         Yeah, Die aktuelle politische Struktur hat eine Situation geschaffen, eine kollektive Disziplin seitens des Künstlers miteinander dem Gesellschaft. Der Gesellschaft  ist zufrieden  einfach zu folgen, wenn auch es mechanisch wirkt. Sie sind auch Froh von der Verantwortung Kunst zu schaffen um zu leben. 

                          Die Gegenteil wäre eine Zustand wo jeder für sie Kunst macht, also einen Zustand der Anarchie.

L.v. Reich:          Nun, mit diesem Gedanken … Ich danke Ihnen sehr  herzlich für das informative Interview. 

                          Das Buch zu lesen ‚Warum ich hier Lebe’ ist hier zu bewerben. Ich wasche Ihnen viel Glück.  Go Go Go!

T. di Ricco:  Es war mir ein Vergnügen. Vielen Dank, meinerseits. 

Dienstplannung - Life of a Barman - Theodor di Ricco - Berlin July 2013

Dienstplannung - Life of a Barman

Theodor di Ricco

Berlin July 2013

Denver was so tired of viewing the same old theater piece every two weeks. A one-man-show in front of a viewing public of circa fourteen more or less forced observers. They endured the hour long monologue and were rewarded with one working shift a week at the Bar Lokal. If they were good.

He had seen the show over 600 times.  It has become such a rhythm in this life. He move his bowels in accordance. How should he stop this?  Should he go out with a bang or simply return the keys that he had been carrying for 22 years and not show up to the next play.

He could be evil. He could write it down and make the text public. It would finally bring to words what many a former and current employee at Lokal has thought and felt at one time or another. Yet, the idea of going out with a bang, with no hard feelings appealed to his humanistic side. One big party at Lokal dedicated to Denver, brought joy to his heart but he doubted if Uwe would go for it.  Actually when he thought about it, for all that he had been through, he damn well deserve it.

Every second Monday, the employees assemble. They greet each other, group accordingly in cliques and sit themselves in a demi-circle in the front room across from the bar or at the window on black cushioned banks. Denver sat apart at the window usually with Antonio, the second in seniority with only twelve years. At the golden hour of 18:00, with a five to ten minute delay, the show begins. He emerges from the back, sits himself conformably on a black stool in the center with his back leaning on the wooden bar and waits until everyone is silenced before starting. 

He talks about everything and nothing.  Often it is seasonal; winter months are hard, therefore be nice to the guests. The summer months are loud and it is important to control the volume. Spring is in the air, time for the Koniginnendag, the gay + lesbian street festival and the parade. Autumn, new start, Lokal's birthday party.  At some during, there is always a pep talk included about the wonders of Lokal. 

From International to local, the bar is the thread that weaves all topics together. Whether it is foreigners, elections, airports to petty criminals they are in some way related to Lokal. Tourists, guests or employees who have created disturbances are highlighted in the monolog and solutions are offered. There have been periods where many have been banned. But in the end, no one is banned for life, with one exception, Isa Gensken. 

"Let us begin. Put the phones away.  First point.  Party.  Preparation. Koniginnedag.  Who can help?  Lokal is not second priority  Should be thankful. Should have fun. Be ready for the shift.  Don't come with a bad attitude. I need flexible people. Be ready to help your colleagues. Respect. Think with and not against. Second point. Oh yeah, candles only on the tables. New drinks. Leave the stereo alone. It creates only chaos. The Russians. Now comes the worm in the story. I will talk to Chantal. Anything else?"

Those sitting in front can see the authenticity of his acting. His body language is open yet his muscle taunt, ready for swift articulation. He speaks well and clearly, with intensity.  His brown eyes are wet and quick. He is commanding and the audience is compelled to follow. Any aural disturbance which breaks his stream of consciousness is rudely commented upon. Hence the only interruption from the audience comes as small antidotes that help embellish or aid in the monolog's development. Uwe is very short on compliments and long on his critics. Drama was not created to tell happy stories.

He finishes his monolog and allows audience participation by asking if there is anything else.  They are cautious not to be provocative with their replies which will only add more time they wait for the dispensing of the shifts.

For twenty years, it was Thomas who called out the days of the week. The employee who responded the quickest and loudest won. Of course, with the kings approval. When no one wanted the shift, Uwe looked around and barked out names until someone responded affirmatively. For years now, Denver had become the last resort. It was embarrassing to wait until each name was called out and then finally his, as if offered the scraps.  

The fist decades

Thomas the judge, sat to the right of the king, the fool and whipping boy still on the left side. Denver started at Lokal sitting in front and moved to the left because he was tired of being bullied. Uwe would just have to look at his and he would be reminded of his next topic with which to bash Denver. All those years, he was the example to avoid. Uwe took a perverted reward in embellishing Denver's mistakes.

Thomas took over fromAntjea couple of years after Lokal opened.Antjeleft early because she soon realized with whom she was co-owner. She was the one who informed Denver of Uwe's mental conditions, his choleric outbursts of anger. He later regretted mentioning it, having a bar hocker thrown at him when he did, In fact, the first wave of employees who were hired, most had all left within the first two years of it's opening

Uwe used Thomas as his wailing wall, for twenty years his sidekick or in the terms of the theater, his script girl. Thomas had to listen, take notes and keep his mouth shut as Uwe ranted about his dislikes, disgusts and the inadequacies of others around him.

After his twenty year stint, the two met in Lokal. It was reported that Thomas left the bar crying on a crowded Saturday night during the conversation. Some thanks. It is amazing that they all had to put up with him this far. Then one asks, why did they?

When Denver first started, he did the pig work. He got the cheap-end because he was a registered employee. The others worked black to enhance their income already financed by the welfare state.  It was Denver who they called to substitute when they had other social obligations. It was Denver who brought a small standard of bar etiquette to their service in which Uwe was the worst offender.

Uwe has learned since then but in the beginning, when one shared a shift with, one did all the work.  He stood at the end of the bar, chatting with the guests whilst giving directives to the unfortunate co-worker. Luckily back then, the bar sold mostly beer and wine and it was not at all professional. One was laughed at if one ordered a cocktail. 

In general, service was minimal; no cocktails, no waiting. Guests ordered at the bar and payed immediately. There are no tabs which was unusual in Germany. Full ashtrays were taken from the tables and there contents simply dumped on the ground. The personal used their hands to pick the ice out of the bucket.  The music was loud played from a cassette deck and if one did not like it, one was too old. The personal were rude, ignored the guests and got better tips because of it. Back then it was important to have bad attitude to be a good bartender. 

When it opened, Lokal was the first bar that showed homosexuals drinking together.  Instead of sex and hustler bars where one would ring at the door to be let in or had a male only clientele. Lokal has large windows to the street and an open door policy. So Lokal was a continuation of another gay local at the time, Anderes Ufer, a popular café, but not yet a bar. 

Woman worked at Lokal up until about last five years ago.  It must of gotten around to the lesbian crowd that Uwe is a misogynist and pedophile because since then no other lesbian has banged down the door to be employed.

It was easy to be generous with our time and energy and Uli expected it from his employees. It was also easy to be generous with the products sold. Since exactitude was never a Punkt consistency, drinks were poured without measure and cash moved in and out out a cash box, with registration.  Prices were rounded and tips are added into the nightly take of which we got a percentage. For the first ten years, it was 10 percent, now it is  down to five. When this cut was introduced, no one said anything against the decision. Because we all know that we all can drink for free when we work or visit, thus reducing substantially our personal entertainment budget.

The bitch decades

   Improvements have been made and it sometimes takes years. Ice was frozen in trays in the back and had to be fetched constantly.  Now there is an machine at the bar.  It was just bottles of Flensburger beer that did not even needed to be  opened. Later Becks beer which Lokal was known for selling warm due to inadequate refrigeration. 

Draft beer took too much time to serve. Now there is a premium beer on draft and an effort is made. A one-lemon-slice for all which was dumped into the soda or yeast beer changed after Denver started putting it on the side of the glass and using a lime instead, for a gin and tonic. 

The same cafe machine is in use for over twenty years. It was finally taken into the shop last year for a thorough cleaning.  The beans are now ground and fresh milk has been substituted for the homogenized kind.

The small refrigerator for wine and vodka has been replaced only once.  It is amazing that it still functions at all, the tiny freezer condenses into an ice block weekly. It would be nice if Lokal would have other liquors on ice instead of just Jägermeister and one bottle of vodka. 

Denver had made suggestions that has saved Lokal, i.e. Uwe,  money; switching to night electricity, getting an Ionizer for the smoking room replacing of an expensive malfunctioning smoke eliminator. One suggestion which Denver had made and been laugh at on numerous occasions; more respect for the products it sells. The juices and soft drinks are still sorted chaotically. Guest arriving when the bar when it opens at eight, often get a flat soda pop, sparkling wine, mixed drink or a slightly fermented fruit juice.

The decor has changed little by little every year until it has stagnated to it's present form. The back room which used to be the kitchen is now the green Tangueary smoking room. Naturally Denver had an opinion about the current smoking regulation sweeping over Europe. When the state offers legal drugs for consumption and taxes the hell out of them, then there should be designated spaces where their consumption is permitted in comfortable and relaxing settings. A bar would be the perfect solution. Locations which divides the consumption of legal drugs into separate spaces would not be called 'BAR'.

The middle room is painted in the colors of the german flag; black, red and yellow. A cushioned burgundy red vinyl sitting bank weaves along on one side of the room broken by a circular column now tiled, formally painted throughout the years in various colors. Opposite the bank, a long narrow strip has been hacked out of the wall by Massi Eitman and lit with a string of holiday lights. He placed Schleich figures there representing familiar scenes of nature and society and sealed it with plexiglas.

A corridor divides the room on one side and leads to the bathrooms to the left and the seller to the right. At the back, two small tables are anchored into the wall with three black cushioned turning stools equally anchored into the cement floor. There used to be a large mirror there but it shattered when Uwe placed a candle underneath and it overheated. There has always been five heavy metal tables, two large coffee in the middle german room and three bar tables in the front. 

Standing in front of the bar, there are two plaster of paris ship battalions molded by Mike Zimmerman hung on either side of the large mirror that hangs diagonally overhead adding tension and a view of the mosaic-tiled wall opposite. Those seated there can see the reflection of the guests at the bar. 

The ceiling is the masterpiece, painted by David Koch who ended his relationship with Uwe just as the bar was opening. He painted a swirl of male angels ascending to heaven. He also painted the logo for Lokal and created the bathroom installation where he carved a heart shape into the brick wall and set inside a photo of two boys dressed in turn of the century school clothing looking romantically into the future. He covered the remaining wall with tiger print fabric.. Later his installation was photographed by Cindy Sherman and is in her collection.  

Behind the bar, there is enough space for one to work comfortably, two to work efficiently and three to be a crowd.  Everything one needs is within on or two steps of reach. With good music and a small rush of guests, one can easily dance whilst serving. Reaching left to the glass shelves which Denver had build, scooping up ice into the glass, taking a bottle of liquor from behind, pouring, bending over, opening the drawer, lifting while unscrewing, mixing, adding fruit and straw, serving, smiling, collecting, thanking. Dankeschön, Bitteschön … all in one fluid movement.

Looking from outside, the word 'Lokal' is written in capital arial bold font on a white signage lighted from behind with neon, below, the large window divided in two. The bar looks inviting, large white candles on each metal table, dimmed lighting. At the right angle from the street, one can see all the way back to the smoking room.

After David left, Iwo Horn and Denver took over as the resident artists. Ingo made photos installations and was the house photograph. As with the common consciousness at the time, it starting in the early nineties with the text 'Kiff Eck' tapped into the dark corner where the table and chairs are anchored. Later these texts migrated throughout the Lokal and ended up at the wooden shelves behind the bar for all to read.

Every few weeks, Denver would create and post a new text.  Some of the jewels; 'like a dog returning to eat it's own vomit, I see you again', 'You tired mother-fuckers are replicas of things dead long ago'. In those heady times after the fall of the Berlin wall, one could write and post such, unfathomable today. To the more recent and nicer versions; 'eat the vegans' or 'tschüß, cheers, jews'. These short texts have been collected into a 'Book of Theodorism'.

Denver created a dia-projector installation for Lokal which was purchased by Thomas. He hung 'Halb Mao', a collage art piece he created out of a picture of Mao Tse Tung cut perfectly in half and the letter 'G' from a discarded east-german store signage. The oval shape of the G and Mao's half-face fit perfectly together. This collage has been there for over twenty years and has become an institution.  Soon, they will be asking, 'Where is Halb-Mao ?'

For Lokal's tenth year anniversary, Massi and Denver made  a pamphlet with 240 questions about Lokal.  When they were  passed out, it went over like a lead ballon. Silly questions like, '… have you ever had sex in Lokal?' or 'Where is Uwe's casting couch?'.  There were a couple of hidden questions of course, … 'Who is banned in Lokal?' and 'About which former employee should one not speak?'  Their gift was rarely mentioned in the weeks and months following.

Whereas those at Anderes Ufer Café collected the art they exhibited, Uwe never really seemed to pay attention. Regarding what was created around him as a given. Too bad, of all the visual artists that have come through Lokal, Uwe would have had a wonderful collection.

Cuntclusion

Denver did not like the direction Berlin is taking in relationship to it's former tolerant ways. He called it 'Europeanization'.  Berlin was dirty, sexy and still is unmistakingly provincial.  We were all equal here and most importantly, we were free. Free from the constraints of the overly jealous moral and righteous societies which we had left. In West-Berlin we were the outcasts on an island. We were the freaks and humanitarians from around the world. Now we are artists and service personal for the new Europe. Touché.

The drug culture has changed.  Instead of it being a shared ritual, It has become a 'don't ask, don't tell' environment. One of the issues for which Denver has long fought, is the legalization of marihuana. Now that it is so close to acceptance, for this current generation, it is cool to be indignant towards it's use and smell.  Their drugs are either traditional or designer. Denver  stopped offering his joints to them to avoid their pithy refusal. 

  Related to the bar, it was understood back then that when a street person entered on a cold night to find a warm place in a corner for a moment, they could remain as long as they did not disturb the guests. Now they are told to leave immediately. Uwe will have nothing to do with peace, love and egg-pancakes, having lived through it in 70's Germany and 80's Berlin. They are inappropriate attitudes for life in the current urban survival period of the Great Recession.

Nr.161 of the pamphlet Massi and Denver made asked:  Sado-masochismus at Lokal, how long does Uwe and Denver know each other? That was twelve years ago. Denver remained because he viewed Lokal as his service to society. On the larger scale;  love all, serve all … even Uwe. It was important to put oneself at service to others once in a while. On the smaller scale, Denver choose to live in a highly structured society and the money he made and spend and the taxes he paid, help provide for this condition.

  Uwe and Denver could never have a descent conversation.  It has been a challenge for Denver in all the years that he worked there to find the moment where they could enjoy each other's company, exchange ideas, go to Mars and back with them, laugh and finally nail down something concrete to work on together.  That would never happened.

Uli did not talk to Denver, he talked at Denver. Even though Denver was younger by just a few years, his suggestions were often ignored as pure nonsense. 

"You have no idea." Uwe never let Denver finish a sentence, constantly interrupting and this was when he was in a normal state.

When Uwe came at Denver in rage, there was no change to get a word in edgewise. It was pointless and dangerous to contradict him. The reasons for his tantrum, which he had imagined, would not be discussed. Any attempt to defend was fetal and blocked with loud and aggressive shouts. It would be a never-ending spiral of anger, until Denver stopped, sat down and remained quiet.

A pause, Uwe breaths deeply in and out and continues his fiery outburst followed by a questions and answers period at the end. He lists everything that has frustrated him lately. As usual, he intwines Denver into the cause of his frustration. Denver must understand this, repeat the nonsense and by no means contradict him in any way.

"Do you understand?"

"Yes. You're the boss."

"What did I say?"

Uwe has said so much in the last ten minutes, Denver studdered not know exactly what he wanted to hear. One point was certain. Denver must never compromise Uwe the Chef before the other colleagues at Punkt in any manner. That means Denver must never interrupt Uwe during the bi-monthly dienstplannung-meetings.

Denver knew his place.  He was the lesbian slave.  Uwe was the boss, King Uwe. His whines were Denver's commands.  He did the best he could to implement them working as hard as his younger colleages. Yet, his seniority and experience were never considered. In bar life there is no mercy for the sagging flesh of living fossil.

An issue for Uwe which he has repeated over the years is  when a employee quits, he never sees them again.  He lists the names, with an "… even Thomas!", loudly spoken at the end. Denver would smile and tell him that in his case it would not occur. At which Uwe would called him a lier or a pile of shit. Denver was sure that Uwe has asked himself the question why, the answer must be too scary for him to contemplate.  

Denver was not the only person who has had a strained relationship to Uwe, who masked his frustration in choleric outbursts. The frustration that  others have a better life than him.  And Uwe lives a lonely life, Denver got the impression.  He does not do a lot to attract others.  For over two decades, it was hard to keep for Denver his mouth shut and hoped that his actions spoke louder than words.

Uwe projects and assimilates his faults onto others. For example, he accused Denver that none of the Lokal personal wanted to work with him  He creates the climate amongst them that he is difficult to work with, yet it is Uwe that is the difficult one.

To set the record straight.  It was Uwe's fault. He put the candle under the mirror. Chantal, a regular for over a decade, and Denver heard the it break.  Denver was only working that evening, not decorating. Somehow, Uwe has projected into his monolog that Denver was the culprit. 

Number three, Uwe is a known to be chaotic. In fact, that is the one quality that is always mentioned when asked about his character. This is an aspect that Denver believed they both enjoyed in themselves.  They both embrace the random chaos theory because they were confident in their reaction to it. And yes, Denver have been told numerous times by yours truely that it is he who is the chaotic one.

It is good that Uwe is a homosexual. Less of a chance for him to have children.  He would be a monster.  His children would do terrible things to free themselves from his control. He has to come to terms that his children are the workers at Lokal and a lesbian slave has decided to free herself. 

Of the fourteen today, only a few are over forty. The current batch is between 23 and 32. When Denver goes, the seniority drops in half.  Uwe will have a different relationship to his staff. There will not be anyone who will remind him of the old ways and days. He will have free reign to carry on his monolog without interruption; 'The Life of a Barman'.

It would of been nice to have started a yearly party like Hans did with his Koniginnedag on the 31st of April.  The party   'Winter in Berlin' that Denver had spoken about for a few years and finally implemented without much verbal support from his colleagues was the best he could do with the resources at hand. It would be traditional if Uwe picked up the idea for next year and used it. It would not surprise Denver in the least.

It would have also been nice to pass the baton to a recommended employee.  Given him a few secret tips. Yet, not one of the persons Denver suggested to work at Lokal had Uwe hired. On the other hand and unfortunately, not one of his  colleagues in crime has ever become a friend. There were a couple of contact bursts but they also have moved on.

For  a few years now, the newest employees have stopped adding their faces to the photo montage behind the bar. Of those pictured since 1990, three have died, two from and Aids and one from an heroin overdose. Of the first wave of personal in Lokal; Massi, David and Bart Mecklenburg now work at popular bar in Kreuzberg.

Denver could not attest to Uwe's good qualities due to the lack of communication between the two. Denver asserted that he must do something right to still be alive. He was successful. Apparently had a talent within the entertainment industry. Denver had heard that he was a professional actor. 

Denver suspected that Uwe in some way respected him. He had hinted at firing Denver on occasion but Denver kept on coming back. But then again, no one has every been fired from Lokal. Uwe respected the free spirit of an artist which resided in Denver and negated in himself. He respected the fact that Denver spoke three languages and had become German, giving up his American passport. Partly due to his jewish culture and their respect for the written word, Uwe respected that Denver had written a book of fiction.  Denver assumed that the copy of  'Why I Live Here' he gave to Uwe was never read. Denver had never heard a comment from Uwe about the book.  Perhaps if Uwe had made the effort to read it, he would would have understood Denver.

Denver did have a better life. He did not gloat in it, he lived it. He was in love, in good health, he managed his own meaningful stress and avoided the other kind. He traveled. He learned. He created. In short, he enjoyed life and the sweetest revenge is to have a good one. This drove Uwe insane.

Time to move on.  Denver was over fifty, getting long in the tooth  He had seen it, done it and was over it.  Currently Lokal did not bring him further. Denver imagined his life without Lokal, without the bi-weekly meetings, without Uwe. When he did, he took a deep breath and smiled.  When he looked back he realized how many invitations or vacations were cut short because he had to return to work at Lokal.  

Denver quits. The relationship between the chef and the employee is broken. After which Denver as guest, sees himself at the bar speaking with Uwe, not keeping his mouth shut.  Consequently Uwe screaming at him or breaking off the conversation and walking away. Denver perversely wants Uwe to eat his words. He wants to see Uwe often and wants to try to be a friend. He supposed that there was a little social-worker inside of him after all, especially for the hard nuts to crack.  Deep down inside, Denver did believe that they both have a lot to offer each another. 

Vergangenheit, Gegenwart, Zukunft, was ist Performance-Kunst?

Vergangenheit, Gegenwart, Zukunft, was ist Performance-Kunst?

Vortrag von Theodor di Ricco

August  2011 

In einen Raum gehen, einen Gummiball aus eine Tasche nehmen und ihn auf dem Boden aufschlagen ist Performance-Kunst, wenn der Künstler die Aktion dazu erklärt. Wenn der Beobachter in einem Saal sitzt und jemandem gelb gekleidet zuschaut, der sich zu einem Sitzplatz begibt, ist das Performance-Kunst, wenn er sie dazu erklärt. Performance hat keinen Anfang und kein Ende. Sie findet einfach als Happening statt. Ob sie etwas Sprachliches ist oder eine Demonstration oder eine individuelle Handlung oder eben eine verrückte Aktion, hat sie sich immer ereignet wegen der Notwendigkeit Informationen über das Leben zu vermitteln. Kunst ist ein Kommunikationsmittel.

Menschen haben gelernt schöpferisch und sozial zu sein um zu überleben. Zu Beginn der Zivilisation, wurden die ersten Kunstwerke aus Stein gehauen und auf Höhlenwände gemalt um über erfahrene Lehren oder erfolgreiche Handlungen zu berichten. Als die Gesellschaften sich weiter entwickelten, waren diejenigen, die den Zugang zu Informationen kontrollierten, die Bevorzugten. Um ihre Macht zu sichern, haben sie konsequenterweise eine machiavellistische Machtstruktur geschaffen um die Gemeinschaft zu strukturieren und zu beherrschen.

In jeder Gesellschaft gibt es Narren, Schamanen, Weise und Künstler, die sich etwas außerhalb der übrigen Gesellschaft stellen. Sie sind verrückt, besitzen übermenschliche Fähigkeiten, sind klug und kreativ. Um mit ihnen umzugehen, bildet die Gesellschaft ein Mikrosystem das die allgemeine machiavellistische Struktur widerspiegelt. Innerhalb dieses stark kontrollierten Mikrosystems, befinden sie sich im Zentrum und werden gelegentlich von der übrigen Gesellschaft umgeben.

Innerhalb dieser Gruppe ist es der Künstler, der beispielhaft zeigt wie man lebt bzw. Kunst schafft.  Der Künstler ist im Zentrum und kann jeden sehen. Dieser Vorteil ermöglicht es dem Künstler als Druckventil in der Gesellschaft zu werken und Konzepte und Ideen vorzustellen zusammen mit Aktionen und Handlungen, die das Spektrum des Gemeinschaftsbewusstseins der Gesellschaft ausgleichen. 

Der alternative Lebensstil des Künstlers wird bis zu einem gewissen Grad geduldet und anerkannt. Wenn die Lebensqualität in der ganzen Gesellschaft abnimmt, werden einige nach Alternativen suchen. Der Künstler agiert als Katalysator für einen Wandel. Jedoch gerät der Künstler durch dieses Privileg  in das Zentrum der Aufmerksamkeit der Gemeinschaft und muss deshalb nach allen Seiten hin manipulieren, um weiterhin im Mittelpunkt (oder am Leben) zu bleiben.

Der Gemeinschaft soll gezeigt werden, wie man lebt oder Kunst schafft. Sie folgen gern dem Vorbild des Künstlers und werden von der Verantwortung befreit, selbst zu leben (Kunst zu schaffen). Ihre Rolle besteht einfach darin, sich auf etwas Neues einzulassen.

Die mikro-machiavellistische Struktur dient der Bewahrung der Gesellschaft als ganzer und stellt eine kollektiver Disziplin sowohl des Künstlers als auch der Gemeinschaft dar um einen Zustand zu vermeiden, in dem jeder für sich lebt (Kunst schafft), oder kurz gesagt, einen Zustand der Anarchie.

Wie gesagt: Um zu überleben, sind Menschen schöpferisch und sozial. Kunst ist ein Kommunikationsmittel. Als Gesellschaften sich entwickelten, gewannen diejenigen mit Zugang zu Informationen die Kontrolle über die Macht. Daraus resultierte eine machiavellistische Machtstruktur. Als Widerspiegelung dieser Struktur wurde eine Mikroversion geschaffen, wo der Künstler seinen Platz erhielt. 

Er bleibt im Zentrum und agiert als Druckventil innerhalb der Gesellschaft. Beispiele dafür sind der Futurist und der Dadaist. Sie fanden sich in der Mitte wirtschaftlicher und politische Extreme, die durch die schnelle Industrialisierung und den Ersten Weltkrieg entstanden waren und reagierten darauf durch die Schaffung von zeitbezogenden Environments, die das Chaos des alltäglichen Lebens reflektierten. Viele Kunsthistoriker bezeichnen diese beiden Gruppen als den Ursprung der Performance-Kunst. Man könnte Gruppen oder Namen von Künstlern im ganzen letzten Jahrhundert nennen, aber immer schon haben Menschen die Zeit als ein Medium der Kommunikation verwendet. Es ist deshalb nicht wichtig von der Geschichte der Performance-Kunst zu sprechen, Namen zu nennen in Bezug auf die Frage wer der erste war und wo es sich zum ersten Mal ereignete. Bedeutsam ist, den Faden zu finden, der eigene Kulturgeschichte mit den zeitbezogenen Ereignissen im gegenwärtigen Leben verbindet. 

Obwohl es Performance-Kunst immer gab, ist sie erst vor kurzem so bezeichnet worden. Das Wort Performance-Kunst stammt von den Visual und den Ton-Künstlern, als sie in den Siebzigern danach gefragt wurden, was sie denn machten. Später wurde das Wort von Kunsthistorikern verwendet, wenn sie eine Künstlergeneration bezeichneten, die sich von dem Standpunkt der Dauerkunst (Bildhauerei, Malerei und Musik) weg entwickelte und bewusst den Faktor Zeit als Mittel künstlerischen Ausdrucks verwendete. 

Seit dem Ende des Zweiten Weltkriegs hat sich das virtuelle Bewusstsein beträchtlich verstärkt. Telefon, Radio und Fernsehen haben die Menschen viel intensiver in die Lage versetzt Ereignisse gleichzeitig zu erleben. Heutzutage wird das Internet zunehmend zum Kommunikationsmittel, das die drei ebenso umfasst, wie es global und augenblicklich ist.

Im letzten Jahrhundert haben Künstler ihre internationalen Netzwerke in Bezug auf die Entwicklung der Informationstechnologie verstärkt. Immer mehr ist Kunst weltweit gleichzeitig entstanden. Vielleicht ist die Performance-Kunst eine der ersten Kunstformen, die in mehreren Städten in der Welt zur gleichen Zeit vor 50 Jahren entstanden ist. Heute sind diese Netzwerke so eng, dass die Realität und die Virtualität beginnen sich zu überlappen.

In den sechziger Jahren gab es Happenings, Sit-ins, Gruppen-Demonstrationen, wo Leute zusammen gekommen sind, um der Gesellschaft kollektive Statements oder eine Kollektivmeinung zu vermitteln. Eine Visualisierung des Körpers innerhalb Zeit und Raum wurde Body Art. Elemente der Body Art wie z.B. Ausdauer, wo der Künstler seine Grenzen zu seinem Körper erforscht wird, und Survival(Überleben), bei dem der Körper des Künstlers deformiert wird, wurden wichtig innerhalb des Kontextes der Performance-Kunst.

In den siebziger Jahren kam die Kunstrichtung Fluxus auf. Ein Objekt oder eine Aktion wurde manipuliert um eine andere Bedeutung zu vermitteln. Fluxus entwickelt sich aus dem Konzept, dass jeder ein Künstler ist innerhalb der Infrastruktur der Gesellschaft; vom Gärtner, dem Schmied, der Zahnärztin bis zum Politiker. Es ist interessant festzustellen, dass damals das Wort Performance-Kunst verwendet wurde, um diese neue und umstrittene Kunstform zu kennzeichnen. 

In den Achtzigern haben Künstler ihre Netzwerke fortgesetzt, sowohl lokal als auch international. Die Übersättigung durch Performance-Kunst  in den vergangenen Jahrzehnten wirkte auf das Publikum und die Galerie-Besitzer ermüdend. In der Folge nutzten die Künstler Nachtlokale als Ausstellungsorte. In dieser neuen Umgebung erweiterte sich die Performance-Kunst  um die Medien Video, Theater, Musik, Tanz und Travestie. Die Anfänge einer neuen Gattung von Performance-Kunst waren geschaffen.

In den Neunzigern ist die prozessorientierte Performance-Kunst entstanden, Der Künstler initiiert einen Prozess, egal wie abstrakt, um eine Erfahrung zu vermitteln. Auch die 'Massen-Treffen‘ sind entstanden, wo Leute sich an einem Ort trafen um kurze Zeit eine gemeinsame Aktion zu veranstalten. Deshalb war die Aktion des Zusammenkommens allein das Statement an sich. Theater, Tanz und Musik haben wiederum Elemente von Performance-Kunst übernommen und die Live Art war entstanden

In den nuller Jahren oder den letzten zehn Jahren beherrschen die jungen Performance-Künstler, unterrichtet von denjenigen, die in der Performance-Kunst aktiv sind, die Technik von Video, Ton und Internet und arbeiten gelegentlich mit anderen bei ihren Inszenierungen zusammen. Auch das Verhältnis zwischen Realität und Virtualität wird in ihrer Performance-Kunst oft thematisiert. 

Wenn man die Geschichte der Performance-Kunst genauer betrachtet, kann man Ähnlichkeiten in der europäischen Geschichte erkennen, um ihre Entwicklung in den künftigen Jahrzehnten vorauszusagen. Zwischen ca. 1835 und 1865 haben die Geheimpolizeien von Österreich, Russland und Deutschland zusammengearbeitet um die Bedrohung eine Revolution entgegen zu treten, was ähnlich 50 Jahren vorher in Frankreich stattgefunden hat. Diese Periode bezeichnet man als Biedermeier.

Eine weitere Parallele ist in dem dreißig Jahre dauernden Neoliberalismus zwischen 1980 und 2010 zu sehen. Diese ökonomische Strategie, bei der der Markt sich selbst kontrolliert und folglich keine staatliche Regulierung erforderte, war die Reaktion auf den totalitären Kommunismus der UdSSR und Chinas.

Mit dem Fall der Berliner-Mauer dominierte der Neoliberalismus, der schon nach Süd-Amerika exportiert worden war, bei der Transformation der ehemaligen Ostblockländer und Chinas. Der Schock des politischen Wandels machte viele orientierungslos und ermöglichte eine rasche Einsetzung dieses Laissez-faire-Ökonomieplans. Gegenmeinungen wurden als staatsfeindlich angesehen und entsprechend behandelt. Dann kam der 9.September und der Terrorismus erhielt eine neue Qualität. 

Diese Bedrohung war nicht beschränkt auf die Grenzen eines besonderen Landes. Obwohl Terrorakte lagespezifisch sind, ist die Sicherheit weltumfassend. Daraus entstand dem Impuls in entwickelten Ländern ihre eigene neoliberale Politik durchzusetzen. Wie beim Kalten-Krieg und nun bei der Bedrohung durch den Terrorismus, ist die Furcht vorherrschend und die Regierungen entwerfen Gesetze, die Bürgerrechte einschränken. Wie in der Biedermeier-Epoche zogen sich in den letzten dreißig Jahren die Menschen in ihre eigenen vier Wände zurück wegen des Schocks des Neoliberalismus und der terroristischen Bedrohung. 

Wenn die Künstler sich einigen, um ein alternatives Bewusstsein auszudrücken, sind sie Romantiker und wissen nicht, wie oder ob ihre Aktionen eines Tages ihre Mittel rechtfertigen. Das gegenwärtige Medium für freie Meinungsäußerung ist das Internet. Mit dem Entstehen des Web 2.0 gibt es nicht nur drei, neun oder sechsunddreißig Sender und Kanäle und eine getrennte Telefonverbindung, sondern nur ein Kabel. Sie sind ersetzt worden durch den Computermonitor, gleichgültig ob er sich auf dem Schreibtisch oder an der Wand befindet. Unsere sozialen Netzwerke sind teilweise virtuell. Wir können frei wählen, was wir erfahren wollen. Kunst über den Monitor wird sich innerhalb dieses Parameters entwickeln, und Performance-Kunst ist sein Medium. Weil die ephemere Qualität der Performance-Kunst ihr Mittel ist und zu einer Ressource für diejenigen geworden ist, die sie geschaffen haben, liegt die Zukunft der Performance-Kunst darin, diese Ressource über das Internet zu verbreiten.

Über den Charakter der Performance-Kunst wird viel diskutiert. Am wichtigsten ist, dass die Methoden der Vermittlung einer Botschaft ehrlich und authentisch sind. Es gibt auch viel Diskussion über die Reaktion des Publikums auf Performance-Kunst, die eigentlich nicht seiner Zustimmung bedarf. Die Zuschauer brauchen ihre Anerkennung nicht durch Applaus auszudrücken. Ihre Rolle ist hauptsächlich zu erfahren.

Eine singuläre Performance-Kunst-Aktion ohne Publikum, Dokumentation oder Spuren widerspricht dem Erfordernis eine Botschaft zu vermitteln. Andere können anderer Meinung sein. Jedoch kann man diese Diskussion vergleichen mit dem Ton des Applaudierens einer Hand. Es ist endlos und nur bedeutsam für diejenigen, die zu antworten versuchen.

Heute scheint es, als ob der Zweifel an der Botschaft und der Absicht des Künstlers den Common-Sense und Selbstverständliches in Frage stellt. Wie bei jeder Handlung hat sie politische, spirituelle und ästhetische Implikationen. Die Dose Hundefutter, die man kauft, oder die Kleidung, die man morgens anzieht informieren über sich selbst und wie man die Gesellschaft, in der man lebt, auffasst. Offensichtlich argumentiert man so, dass, wenn ein Künstler eine Aktion durchführt und sie Kunst nennt, damit ihre Botschaft wichtig und das Konzept erkennbar wird. Die Notwendigkeit Informationen Menschen zu vermitteln darüber, wie man lebt (Kunst schafft), ist die Absicht des Performance-Künstlers.

Jetzt wehen Winde einer ruhigen Revolution. Die politischen und wirtschaftlichen Strukturen der letzten drei Jahrzehnte erfahren einen Wandel. Die Welt entfernt sich vom neokonservativen Kapitalismus hin zu einer sozialen Demokratie. Gegenwärtig gibt es mehr sozialistischer Länder als vor dem Kalten Krieg. In der letzten keynesianischen Epoche der sozialen Demokratie entstand zwischen circa 1935 bis 1965 eine neue Phase der modernen Kunst in der Welt. Die nachfolgende Epoche wird eine Flut von Gegenwartskunst bringen und Performance –Kunst wird wohl die Kunstform des 21. Jahrhunderts werden.

Deshalb ist es sehr wichtig, dass Festivals und Kongresse mit dem Thema Performance-Kunst stattfinden.  Sie bringen Künstler zusammen, die sich in Bezug auf ihr Herkommen und ihre kulturellen Temperamente unterscheiden und damit für einen ständigen Zufluss neuer Ideen und Konzepte sorgen. Diese Treffen garantieren eine zeitbezogene Umgebung, wo die Künstler und das Publikum aktuelle künstlerische Ausdruckformen erfahren, kommunizieren, Potenziale integrieren und die Brücken verstärken, die sie miteinander verbinden. Der Nutzen dieses Austausches, ob künstlerische oder persönlich, ist ein hoch motivierender Faktor für alle Teilnehmer. In diesem Fall, wo die Kunst dem Leben vorangeht, ist dieses gemeinsame künstlerische Happening sowohl für die Künstler als auch für die Gesellschaft als ganze von Nutzen.

Das Konzept der Performance-Kunst ist diskutiert worden und wird weiter entwickelt. Sie gehört zur Spitze der Gegenwartskunst, einfach weil sie zeitbezogen ist. Der Performance-Künstler definiert zunächst den Zeitgeist, der später in den anderen Medien der Musik, des Tanzes, des Theaters, der Malerei, des Films oder der Bildhauerei interpretiert werden. Performance-Kunst ist der Akt, Kunst vor Ort und im Augenblick zu schaffen. Doch, obwohl jeder künstlerisch tätig sein kann, wagen es nur wenige. So, to do (Also, macht es).